La música Universal II

La música en la Cultura Occidental: del medioevo al siglo XVIII

• El mito griego del origen de la música se lee así: la música fue entregada a los seres humanos por Apolo y las musas; el mensajero de los dioses, Hermes, trajo consigo al mundo la lira; la diosa de la guerra, Atenea, trompetas y chirimías; y el dios pastor Pan, la flauta. En la mitología india, la diosa Sarasvati inventó la escala musical y a los chinos se la obsequió un pájaro milagroso. Los griegos, de acuerdo a su espíritu y cosmovisión, crearon una leyenda en torno a la creación de la música a la que ornaron con visos de mito casi épico. Occidente la heredó y coronó como sumun de la imaginación y el lirismo, en realidad, cuando los helenos se pusieron a cavilar sobre estos temas, en otras partes del orbe, como queda visto, hacía varios siglos que los homínidos habían descubierto el mundo sonoro.
• Pero, nosotros heredamos la teoría musical de occidente y, como punto de partida se nos han enseñado algunos conceptos, “elementos fundamentales de la música”, que, tradicionalmente se han definido de la siguiente forma:
• –La melodía: que puede definirse muy someramente como la sucesión de sonidos que conforman la frase musical
• –La armonía: que es la combinación de dos o más notas musicales, sobre la base de la emisión simultánea para conformar lo que denominamos un acorde y su enlace con otros similares. Conforman una especie de “colchón musical” sobre el que se desliza la melodía
• –El ritmo: que no es otra cosa que la relación de la música con el tiempo
• Otra de las clasificaciones que se hace usualmente de las composiciones musicales, es una especie de “rotulización”, en la que encontramos a la música popular, la académica, la comercial, la ceremonial, la publicitaria, etc. Y también podemos hacer una clasificación de los diferentes estilos o géneros musicales, así encontramos el rock, el pop, el tango, la milonga, el jazz, etc., las cuales se enmarcan dentro del rótulo de música popular, dejando aparte la denominada genéricamente música clásica, o “culta”, como algunos prefieren llamarla con un claro sesgo clasista.
• La música en la Edad Media:
• Atendiendo cánones y criterios absoluta y rotundamente tradicionales y convencionales, este período de la historia de Occidente se ubica entre el siglo V de nuestra era, más específicamente desde el año 450, fecha de la caída del Imperio Romano, hasta el siglo XV, año 1480 en que se produce la caída de Constantinopla a manos de los turcos otomanos. Siguiendo el criterio libresco establecido, se trata de un período que, a su vez, se divide en dos partes, a saber:
• -La Alta Edad Media: Desde los comienzos hasta aproximadamente el siglo XI. Se trata de un período caracterizado por la fragmentación del poder central, dando paso a la retracción de los centros urbanos, lo que se conoce como la “ruralización de occidente”, y la implantación del sistema feudal. Un tipo de organización socio económica y política que sustituye el poder centralizado por un intrincado mecanismo de fidelidades y poderes personales. Se trata, además, de una época pautada por la influencia y el dominio espiritual y cultural de la Iglesia Católica, que impone sus preceptos dogmáticos y morales, constituyéndose en el único factor de unidad de toda la civilización asentada en el continente europeo.
• -La Baja Edad Media: Período que va desde el referido siglo XI hasta el final del XV, aquí se producen cambios sustanciales en la vida cotidiana de los europeos y su consiguiente impacto en creencias, cosmovisiones y valoraciones éticas. Resurgen las ciudades, las comunicaciones, el comercio y, al principio en forma muy lenta y con marcada tendencia a la acentuación y aceleración, se van aflojando los fuertes lazos dogmáticos y represivos que la Iglesia había atado en el período anterior.
• Vamos a hacer referencia a las formas de expresión musical que se dieron a lo largo de estos mil años de historia, atendiendo igualmente los cánones más aceptados por la investigación musicológica hasta la fecha, a la vez, que comenzaremos a vincular algunos de los aspectos mencionados con las formas expresivas actuales y su impacto en las maneras de hacer música de estos rincones del mundo.
• La música religiosa
• Fue una de las expresiones más significativas del período, siendo su ejemplo más trascendente el canto gregoriano, cantado en latín en misas y fiestas solemnes. Era una composición monódica, o sea con una sola línea melódica, que mantendrá su vigencia hasta el siglo XI. Está compuesto por dos elementos básicos: un texto religioso escrito en latín y una melodía lineal subordinada al texto. Es el canto oficial de la iglesia y es concebido como una alabancia a Dios. Se trata de un ritmo libre, no sometido a la métrica de un compás, las notas tienen, en general, la misma duración; es flexible y no sujeto a mediciones matemáticas. Era cantado al unísono y a capella, permitiendo solo ocasionalmente algunos sonidos de órgano, era una melodía reducida dentro de la octava y con progresiones de intervalos pequeños, generalmente de segunda, y es diatónico, es decir sin alteraciones, salvo el si bemol; se estructura sobre la base de un sistema de modos o escalas llamadas octoechos.
• Los estudios e investigaciones efectuadas establecen las siguientes dos clasificaciones de los cantos religiosos: analizando la relación entre sílabas y notas y los llamados “cantos sin alternancia”. La ceremonia central es la misa, los cantos que en ella se ejecutan se dividen en dos grupos: cantos del propio y cantos del ordinario. Otra ceremonia distintiva era el Oficio Divino: es el monaquismo, sistema de reclusión y aislamiento surgido en este período, sus formas musicales fueron los responsorios y los himnos. El cantoral se completaba con el Drama Litúrgico, una representación escénica de episodios bíblicos, algo así como el antecedente de los pesebres navideños.
• Hacia el siglo VI existían varias liturgias regionales: el Galicano (procedente de las Galias); el Ambrosiano (oriundo de Milán); el Bizantino; el Visigótico o Mozárabe y el Romano antiguo. El papa Gregorio (540-604), unifica esta diversidad, en aras de la unidad cristiana, y a él se le atribuye la creación del canto gregoriano. También reorganiza la “Schola Cantorum” dedicada al estudio, la composición y la formación de los músicos para la transmisión de la técnica del canto.
• El primer antecedente de música escrita en Occidente, data de los tiempos de la Grecia de la Antigüedad, en que se designaba cada nota de la escala con las letras del alfabeto, posteriormente, los primeros intentos datan del siglo IX, de manuscritos litúrgicos de los cuales surgen dos tipos de notación. La llamada neumática (de neumas o signos) y la diastémica, en la que aparece el pentagrama que se utiliza actualmente.
• A Guido de Arezzo se atribuye el nombre actual de las notas, que datan del siglo XI, originariamente, sus nombres eran ut, re, mi, fa, sol y la, ya que había una aversión por el “si”, llamada “diabolus in música”.
• Estos nombres parecen proceder de un himno dedicado a San Juan, en el que cada sílaba inicial del verso coincide en su entonación con cada una de las notas de la escala en uso en ese momento, el ut se convirtió en do en el siglo VII y, posteriormente, se incorpora definitivamente el si:
• La música profana
• Existen muy pocas partituras de música profana culta y casi ningún vestigio de música profana popular. Aun así, podemos conocer el tipo de espectáculos musicales que se organizaban en la Edad Media a través de las críticas que hacía la Iglesia de ellos y de manuscritos, como los chansonniers, escritos tras la aparición de la notación musical.
• La música profana y la religiosa están vinculadas por los avances de las técnicas musicales, las mejoras en las notaciones y la evolución estética, pero poseen distintas intenciones musicales, mientras la música religiosa se centra en la pureza de la fe y la comunicación con Dios, la música profana tiene como objetivo principal la diversión y el entretenimiento para el público. Los personajes claves fueron los jocularis o joculator (derivado de jocus, juego), persona que divertía al rey, a los nobles o al pueblo en general. Durante los siglos XII y XIII, estas figuras marcaron la historia de la música profana, posteriormente les concedían varios nombres por la distinción de lugar de procedencia, formación y función: los juglares, los goliardos, los trovadores y los troveros. Estas son las designaciones con las que se conocen actualmente estos personajes, devenidos en íconos y primigenios ejemplos de artistas populares en occidente.
• -Los trovadores: El verbo trovar viene del provenzal antiguo y significa “inventar”. Los trovadores eran poetas-compositores que escribían y cantaban en la lengua vernácula no latina, el occitano o provenzal. Surgen en el siglo XII en el sur de Francia entre los miembros de las clases nobles y se desarrollan también en el norte de España y en el norte de Italia, convirtiéndose en vehículo de comunicación literaria dando origen a la lírica moderna, una poesía de arte con carácter laico.
• Contaban con una formación intelectual más cuidada, sabían leer y escribir, lo que les distinguía también socialmente respecto a los juglares. Su repertorio estaba conformado por canciones monódicas acompañadas por instrumentos, bastante refinadas y complejas en sus esquemas rítmicos. De la mayor parte de sus obras solo se conserva la línea melódica con el texto, en manuscritos llamados chansonniers (cancioneros). Están escritas en formas populares de estribillo siguiendo modelos como el rondó, que organizan notablemente tanto la construcción métrica (número de versos y de pies, distribución de las rimas, etc.) como la forma musical.
• En sus obras hay todo tipo de canciones, satíricas y políticas, la concepción idealista del amor y el odio, con estrecha relación con la situación de libertad de la mujer en el mundo hispano-árabe. Frente al habitual desprecio sentido por la mujer, la poesía trovadoresca hace de ella un ser superior, una fuente de virtud, con quien el poeta establece una relación de amor. A menudo se ha querido ver en esta poesía únicamente el amor puro e idealizado, pero también el erotismo es un tema tratado con frecuencia. Algunos de los géneros musicales más destacados son: la cansó, el sirventés, la tensó, la pastorela y el alba.

Miniatura del trovador Perdigon en una página del manuscrito 845 de la Biblioteca Nacional de Francia, publicado en 1250.

• -Los Juglares: El término juglar proviene del latín joculator, tenían un repertorio lúdico, pero también de diversión y entretenimiento. Entre los siglos XI y XIII se generalizaban en toda Europa este tipo de músico-cantor-histrión, a diferencia del trovador, no son creadores sino intérpretes. Se caracterizaban por su vida itinerante, desplazándose por las comarcas, de castillo en castillo, intentando colocar su talento al servicio de quien quería pagarlo bien, como por ejemplo un señor o incluso un rey. Este desarrollo itinerante del oficio, llevó a una internacionalidad del fenómeno juglaresco, dando nombre por ejemplo a los minnesingers en Alemania (que eran también trovadores, cantores de amor).
• El juglar se ganaba la vida actuando ante un público variado, desde pobladores humildes hasta reyes, era tanto cantante, como instrumentista, bailarín, contador de historias, lanzador de cuchillos, acróbata, contorsionista, mago, malabarista, domador de animales… Su posición social era más bien baja, pero existían diferentes rangos: los había desde saltimbanquis hasta dedicados a propagar la música culta de los trovadores. Los principales instrumentos que usaban eran la viola, la cítola, el arpa, la rota, el albogue, la trompa, la gaita, el atabal, y otros de fácil portabilidad.
• Su lugar destacado en la historia de la cultura, se debe al papel de difusores de música y de poesía. En función del carácter de la poesía que recitaban, hay al menos dos clases: los que, ligados a los ambientes cortesanos, se dedicaban a la poesía lírica o satírica, y los que desarrollaban la épica, religiosa o heroica. Los juglares líricos son, por lo común, simples propagadores de poesía antes que poetas. El arte del juglar lírico cortesano tiene mucho que ver con las necesidades poéticas que la corte generaba: el elogio y la sátira, orientados, respectivamente, a través de los géneros de la canción y el sirventés.
• Los juglares, sobre todo aquellos que poseen menos prestigio y más cercanía al pueblo, fueron atacados por los moralistas y criticados por la Iglesia. El arzobispo de Reims declaraba: “Que no toleren esas diversiones escandalosas, donde aparecen osos y bailarines.” o el de Alcino: “Es mejor invitar a comer a los pobres que a los histriones.” A excepción de la desaprobación de la Iglesia, los juglares gozaban de plena aceptación en la sociedad de su época. Igualmente, existían juglares y mimos en las cortes de los reyes suevos de Galicia y en los palacios de los reyes merovingios, eran recibidos al principio como un simple mensajero de la alegría y la gracia para dulcificar el ánimo del rey, poco a poco consiguen entrar a formar parte de los elementos indispensables del lujo cortesano, de modo que eran bienvenidos en las cortes más suntuosas de todo el occidente europeo.
• -Los goliardos: Es probable que el término goliardo provenga del francés antiguo gouliard que quiere decir “clérigo que llevaba vida irregular”. Su origen se sitúa en la corte de Carlomagno y se esparcieron por Europa durante el siglo X, en la época del emperador Otto el grande, alcanzando en siglo XII su máximo apogeo con Federico Barbarroja. Era un grupo constituido por estudiantes universitarios y clérigos que pertenecía a los estratos más bajos de la jerarquía eclesiástica o monjes que habían abandonado el claustro de las órdenes religiosas. Eran vagabundos que utilizaban su preparación literaria y su agudo ingenio para vender su habilidad poética y musical a cambio de limosna; protestaban contra el poder por medio de la sátira y la burla, o, a veces, del lamento.
• La aportación de los goliardos a la música fue sustancial. La principal colección de su lírica se encuentra en una recopilación del siglo XIII, el Carmina Burana, cuyo nombre se debe al hecho de haber sido hallada en el siglo XIX en un monasterio cercano a Munich llamado Benedikt Buern. Su compilación fue efectuada, probablemente, antes de 1250, y la lengua utilizada en la mayoría de sus poemas fue el latín, aunque también se encuentran textos en alemán y en francés. La organización estable de las universidades al principio del siglo XIII absorbió a los clérigos vagantes y esta figura desapareció en el tiempo.
• En síntesis, varias figuras intervinieron en la difusión de la música profana, siendo al principio exclusivamente de forma oral y luego escrita, tras la aparición de la notación musical. Esta expansión tuvo lugar en toda Europa, por lo que estos personajes recibían diferentes denominaciones dependiendo de la localidad y la especialización. A inicios del siglo XIV, la voz de los trovadores dejó de sonar en las cortes europeas y la juglaría fue perdiendo la atención del público. Estos personajes presentaban un profundo enraizamiento con la sociedad feudal, por lo que con el avance del tiempo y de mentalidad, poco a poco cedieron paso a otro tipo de profesionales de letras, y la poesía pasó de la literatura cantada a la leída, más silenciosa y personal.
• -La canción francesa: Es un tipo de canción particularmente relevante como antecedente de la canción actual, corresponde al siglo XI y surge en cierta región de Francia llamada Poitiers. En ese momento, y en ese lugar, nace Guillaume d’Aquitaine, considerado el padre de los trovadores, los poetas músicos ya ocupan el centro de las artes literarias de Europa entre los siglos XI y XIII. Estos poetas son quienes iniciaron la tradición europea de la poesía de amor y también de la poesía rimada, que era desconocida en la antigüedad clásica y que probablemente fue tomada de los árabes. Pero, sobre todo, resulta particularmente interesante considerar que estos poetas componían obras que consistían en un poema y una música que la acompañaba, obras a las que llamaban “cansos”, de ahí deriva la palabra que hoy usamos para canción en las lenguas romances: “canción, canzone, chanson, cançao.”
• Con el advenimiento de la modernidad y el fortalecimiento de las monarquías, éstas, lejos de cerrar un telón a esta práctica, la tomaron como integrante permanente de cultos y cortes, generalizándose la utilización de la canción, desde las cortes de los monarcas más poderosos, pasando por los salones de la nobleza, hasta los tablados y circos populares que se levantaban en las calles de las ciudades nacientes de los finales del medioevo. Es un interesante antecedente a considerar a propósito del vínculo, actualmente vigente, entre la canción, la realidad social y la política.
• La música en el Renacimiento
• Hacia finales del siglo XV resulta claro que Europa vive una realidad muy diferente a la de algunos siglos atrás; los factores son varios y están extensamente explicados y analizados desde diferentes ópticas en diversos y muy heterogéneos manuales y tratados. Lo real es que ha habido un resurgimiento de la vida urbana, impulsado por el desarrollo del comercio y que los monarcas han logrado someter a los señores feudales, poniéndose las bases de la consolidación del Estado moderno.
• Un nuevo sistema socio económico se impone y permea en todos los sectores de la sociedad y en los más diversos ámbitos: el capitalismo. El desarrollo mercantil ha provocado la acumulación del capital y el retorno de instituciones del antiguo imperio romano como la banca y la moneda. El mundo se ha agrandado con los descubrimientos geográficos que, como inesperado y preciado “regalo” para la vieja Europa, ha proporcionado cantidades inimaginables de oro y metales preciosos para ampliar desmesuradamente las arcas de los banqueros y capitalistas de la Época Moderna.
• El “homo factus est” del Renacimiento es muy diferente al sumiso siervo y servidor de la Edad Media, el inconmensurable tesoro de la cultura clásica, en especial la de Grecia, ha sido redescubierto y se valora a un altísimo precio intelectual y cultural, retornan géneros, estilos y modelos de la antigüedad clásica. Occidente también comienza a “sonar” de otro modo, la música compuesta y ejecutada durante el período que va desde el 1400 al 1600 se caracteriza por tres elementos básicos: la textura polifónica, las leyes de contrapunto y el sistema modal, heredado del canto gregoriano.
• En lo estrictamente musical, el estilo se caracteriza por la utilización de determinadas figuras armónicas sobre la base de la escala actual, en los intervalos de terceras, quintas y octavas. También se destaca la utilización de voces en igualdad de jerarquía y regidas por la regla del contrapunto; predomina la obra polifónica, de tres a seis voces y el sistema melódico es el de los ocho modos gregorianos, así como la tonalidad que se utiliza actualmente basada en el sistema tónica/dominante.
• -La música religiosa: Una de las características más destacadas de esta corriente musical en el período es que la misma se difunde y expande transformándose de esa forma, en un estilo internacional. Su área de difusión será, no solamente toda Europa, sino además la América conquistada y colonizada. Se distinguen dos géneros fundamentales: la misa y el motete renacentista, pieza polifónica escrita en latín.
• -Música vocal profana: En este estilo, se reconocen formas propias de cada país: en Italia la vianella, la frottola y el madrigal, en España el romance, la ensalada y el villancico, en Francia la chanson polifónica parisina, en Inglaterra la canción isabelina con laúd, impuesta hacia el 1600. A fines del período aparecen los primeros antecedentes de lo que será la ópera, con la aparición de géneros como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio.
• –Música instrumental: Los instrumentos fueron ampliando su espectro y variando y multiplicando sus modelos hasta conformar las familias de cada modelo. Tal el caso de las flautas de pico soprano, alto, tenor y bajos y contrabajos de varias tallas; este proceso también se dio en los instrumentos de cuerda: las violas de gamba, de metal como los sacabuches o de madera como las chirimías.
• Los instrumentos coparticipaban con las voces en la música polifónica y dialogaban con ellas, también se crearon piezas puramente instrumentales, tanto en conjuntos homogéneos, los llamados consorts, en grupos que combinaban instrumentos de varias familias o sobre instrumentos polifónicos como el órgano, el virginal, el arpa, el laúd y en España la vihuela. Esta música instrumental solía escribirse en un sistema peculiar para cada instrumento, las llamadas tablaturas (para teclas, laúdes, arpas, etc.). Particularmente, el laúd, proveniente del «al’ud” medieval, se transformó en el instrumento solista doméstico más popular, constaba de una cuerda simple y cinco dobles y clavijero vuelto hacia atrás.
• La música renacentista estaba escrita en partichelas, eran muy raras las partituras generales y no se usaban las barras de compás. La unidad de pulso era la semibreve, la actual figura redonda; cada breve (cuadrada), correspondía a dos o tres semibreves, equivalente al compás moderno. Como en la actualidad, cada negra equivalía a dos corcheas o a tres en tresillo.
• Hacia fines del siglo XVI se afirma la tendencia a modificar el modelo renacentista, mediaron razones musicales e ideológicas. Influyó tanto la controversia religiosa, que derivó en la Reforma, como el impulso del Humanismo, que apuntó fuertemente a la recreación y revalorización del teatro griego clásico. Musicalmente, se da un proceso paralelo al que se observa en las artes plásticas, las formas que caracterizaron al estilo comienzan a subvertirse.
• Aparecen nuevos elementos como la “poli coralidad” (varios coros y orquesta), la creación de la monodia, especie de canto declamado y la aparición del bajo continuo, que provocó la disolución de la textura polifónica renacentista. Como ha sucedido en otros períodos de la historia, las nuevas realidades piden y proponen otras formas expresivas en todos los terrenos, en la música se observa con claridad.
• A nivel de la música profana se comienzan a generalizar composiciones que genéricamente se enmarcan dentro del manierismo musical, el caso más notorio es el madrigal, con una tendencia a la complejidad y el uso extremo de la escala cromática, con sucesión de sonidos en semi tonos. Se estaban gestando las bases del surgimiento del barroco musical.
• La música instrumental comienza a adquirir relevancia en la medida que se “libera” de su rol de acompañamiento del canto y la danza. En efecto, comienzan a surgir composiciones específicamente para ser interpretadas instrumentalmente y, al mismo tiempo, van surgiendo nuevos géneros musicales. También se multiplican los manuales prácticos para la ejecución de instrumentos; las primeras anotaciones son las llamadas tablaturas para instrumentos de cuerda, en lugar de pentagramas se dibujaban cuerdas con puntos que indicaban la posición de los dedos. Se generaliza la utilización de los instrumentos de cuerda, así como el órgano y el clavicordio.
• El madrigal
• Se trata de un género que tuvo su apogeo en el transcurso del período renacentista, prolongándose hasta el primer barroco italiano. Era una composición polifónica, de tres a seis voces que se aplicaba a un texto profano y tiene su origen en la frottola italiana. Era común que se utilizara para musicalizar textos de poetas como Petrarca, Bocaccio y hasta el mismo Dante Alighieri, por lo cual, constituye un valioso antecedente de la canción de texto que resurgirá en la segunda mitad del siglo XX.
• Fue un estilo secular, por oposición a cualquier interpretación de tipo religioso, al tiempo que igualmente profano, que, habiendo nacido en Italia, va a alcanzar en Inglaterra una gran difusión, en la medida que se tuvo conocimiento de los madrigales italianos, logrando incluso extenderé por más tiempo que en Europa continental.
• Entre los compositores más célebres del estilo puede citarse a Claudio Monteverdi y John Dowland, siguiendo un diseño que, además de su polifonía, se caracteriza por los ritmos marcados, lo que permitió la incorporación de la danza a la ya citada musicalización de textos poéticos. Es un claro antecedente de la ópera así como de estilos contemporáneos, especialmente del repertorio popular.
• La música barroca
•  El barroco se trata de un estilo que abarcó diversas manifestaciones del arte y que, arbitraria y esquemáticamente, se ubica entre los años 1600 y 1750; históricamente coincide con dos fenómenos que marcaron el devenir de los acontecimientos socio políticos de Europa en el período: el movimiento de la Reforma religiosa y su consiguiente reacción católica, es decir, la Contrarreforma y el denominado Absolutismo, pautado por la consolidación del poder de la monarquía en estrecha alianza con el poder económico del capitalismo ya establecido, concentrado en la banca y el comercio.
• De acuerdo a la consideración de la crítica registrada en los manuales convencionales, a lo largo del periodo de ciento cincuenta años indicado precedentemente, la música barroca pasó por varias etapas, cada una con su propio estilo y características:
• -El primer barroco (o edad temprana) abarcó desde finales del siglo XVI hasta mediados del siglo XVII. Durante esta época, la música se caracterizó por la ornamentación, el bajo continuo y la polifonía. Los compositores más destacados fueron Claudio Monteverdi, Giovanni Gabrieli y Heinrich Schütz. Además, durante esta época se desarrolló el estilo de ópera, que se convirtió en una forma de arte popular en toda Europa. La música instrumental también comenzó a ser más importante y se desarrollaron nuevas formas musicales, como el concierto y la sonata.
• -La etapa media de la música barroca tuvo lugar durante la segunda mitad del siglo XVII. En este período, el estilo musical se vuelve más sofisticado y elaborado. Se afianza la técnica del bajo continuo, que consistía en una línea de bajo que se tocaba continuamente a lo largo de la pieza, y se combinaba con armonías y melodías más complejas. Además, la ópera comenzó a ser una forma musical determinante, casi podría decirse que se convirtió en el estilo emblemático del período.
• -La etapa tardía tuvo lugar durante el siglo XVIII. En este período, la música barroca alcanzó su apogeo y madurez. Los compositores desarrollaron aún más la técnica del bajo continuo, y la música instrumental se convirtió en una forma de arte aún más importante. Además, la ópera se convirtió en una forma musical más refinada y sofisticada, y surgieron nuevas formas musicales, como el oratorio y la suite.
• Durante la segunda mitad del siglo XVIII, se desarrolló en Europa el estilo rococó, justo después del período barroco. Fue una época de elegancia y refinamiento, y esto se reflejó en la música. Los compositores del período se alejaron de la complejidad y ornamentación del barroco y se centraron en la melodía y el sentimiento. El estilo musical es a menudo descrito como ligero, delicado y elegante. Se caracteriza por el uso de melodías alegres y emotivas, armonías simples y un énfasis en la melodía y la línea vocal. Los instrumentos de cuerda, como el violín, el violonchelo y la viola, fueron muy populares durante este período, y se usaron ampliamente.
• Los compositores del período rococó también experimentaron con nuevas formas musicales, como la sinfonía y el concierto para solista. Estas formas permitieron a los músicos explorar nuevas formas de expresión y crear música que fuera más emocional y personal. En resumen, es una de las épocas más encantadoras y elegantes de la historia de la música occidental desde el punto de vista estrictamente formal. Con sus melodías alegres y emotivas, armonías simples y énfasis en la melodía y la línea vocal, la música rococó es una muestra del refinamiento y la belleza que caracterizaron al modo de vivir y la cosmovisión de una aristocracia que se consideraba a sí misma el centro del Universo. En realidad, estaban comenzando ya los movimientos, todavía subterráneos, que conducirían a la explosión de las revoluciones liberales burguesas del siglo XVIII, de hecho, ya se había producido en Inglaterra la llamada “Revolución Gloriosa”.
• Los elementos estilísticos que caracterizan a la música barroca son los siguientes:
• -La ornamentación: los compositores barrocos añadían florituras y adornos a las melodías y armonías existentes, lo que creaba una sensación de riqueza y complejidad, esta ornamentación se utilizaba tanto en la música vocal como en la instrumental, y se ha convertido en una de las marcas distintivas del estilo.
• -El uso del bajo continuo, este estilo de música implica una línea de bajo que se toca continuamente a lo largo de la pieza, a menudo se ejecutaba con un instrumento de teclado, como el órgano o el clavecín.
• -La polifonía, que implica la combinación de varias melodías y armonías simultáneas, lo que crea una textura musical densa y rica. Los compositores barrocos eran expertos en la polifonía y la utilizaban para crear obras de mayor complejidad.
• -La música barroca también se destaca por sus ritmos complejos y elaborados. Los compositores experimentaron con diferentes patrones rítmicos y crearon obras que eran extremadamente desafiantes para los músicos que las interpretaban. Estos ritmos han influido en la música de muchos géneros diferentes y se han proyectado hacia la música de los períodos posteriores.
• -También se caracteriza por su rica instrumentación, los compositores utilizaron una amplia variedad de instrumentos, desde los de cuerda como el violín y la viola hasta instrumentos de viento como el oboe y la flauta. La combinación de estos instrumentos creó una paleta sonora rica y variada.
• Entre los músicos del Barroco sobresalen, entre muchos, las figuras de Antonio Vivaldo, Georg Friecrih Händel y Johann Sebastián Bach, considerados los compositores cumbres del período. Además, muchos más han dejado su nombre e impronta desde distintos países, ya que se trató de un estilo internacional que se expandió por Europa y América.
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La obra de Bach está considerada la cumbre de la música barroca

En el período se produce la emancipación de la música instrumental respecto de la vocal, conduciendo a una clara separación entre géneros instrumentales y géneros vocales. La instrumental alcanzó pronto su madurez con la creación de formas como la sonata, el concierto y la suite, de gran trascendencia posterior. Los géneros vocales eran divididos ya en la época entre teatrales y religiosos: entre los primeros se cuenta la gran creación del Barroco musical, la ópera, mientras a los religiosos se adscriben formas nuevas como el oratorio y la cantata, junto a antiguas como el motete y la misa.

La ópera como ejemplo de la música vocal

Las corrientes humanistas, en particular la Camerata Florentina, buscaban ya a finales del siglo XVI una puesta al día del antiguo teatro griego, basándose sin embargo en formas musicales recientes, como el drama litúrgico, el drama pastoral, las comedias madrigalescas con figuras de la commedia dell’arte y los intermezzi teatrales. Los sucesivos experimentos en los que la música vocal se combinaba con danzas y escenas teatrales habladas forjaron finalmente un espectáculo musicalmente continuado, en que estas escenas habladas eran sustituidas por recitativos, ese fue su nacimiento.

La evolución posterior y su fusión con otras formas músico-teatrales acabó convirtiendo a la ópera barroca en una representación teatral íntegramente musicada en la que se suceden números de cuatro tipos:

–Recitativos, en los que los cantantes hacen avanzar los diálogos de la obra dramática en un canto silábico apenas acompañado por el bajo continuo.

-Arias, verdadero núcleo musical de la ópera. Son números solistas líricos muy elaborados, a menudo virtuosos, al servicio del lucimiento del cantante.

-Números instrumentales ejecutados por la orquesta desde el foso, como la toccata inicial.

-Coros, generalmente a cuatro voces, a imitación de los coros del teatro griego.

La ópera se impuso como el gran espectáculo de la época en toda Europa, su centro fue Italia, pero también se representaron regularmente en lugares como Viena, Londres, Hamburgo, Dresde, Hannover, Múnich y París. Con la notable excepción de Francia, el italiano siguió siendo el idioma de los libretos, y la temática casi siempre mitológica: era la llamada opera seria, arena del triunfo de los compositores con pretensiones de éxito del Barroco.

La música instrumental

Se produce la transformación de los instrumentos renacentistas hacia modelos dinámicamente más flexibles y aparece la orquesta en el sentido moderno del término. Nacida durante el siglo xvi en ambientes populares, la familia del violín, violines, violas, violonchelos, alcanzó su grado máximo de perfección constructiva en el XVII, hasta el punto de que entonces quedaron fijados los modelos que, en lo fundamental, han sido reproducidos durante los trescientos años siguientes, gracias a la labor de familias de artesanos como los Stradivari y los Amati. Los instrumentos de madera fueron radicalmente transformados por la familia Hotteterre en la corte francesa de Versalles, apareciendo entonces el oboe, el fagot y la flauta traversa barroca.

La música instrumental, que en la época anterior dio el primer asomo en la música académica, tuvo un auge sin precedentes en los siglos xvii y xviii; por primera vez en la historia, la música vocal e instrumental estaban en plena igualdad. Hubo un gran florecimiento en formas musicales, técnicas, intérpretes y compositores, que poseían ya un profundo conocimiento de la técnica de los instrumentos, al servicio de una fuerte expresión emocional.

El ejemplo más típico es la sonata, una composición para ser «sonada», esto es, para uno o dos instrumentos (sonata a solo o sonata a trío, respectivamente) más el habitual bajo continuo. La combinación más habitual incluía violín, flauta traversa u oboe para la o las voces superiores, más violonchelo y un instrumento de acordes (órgano, clave, arpa, laúd…) para el continuo, su textura muestra la polarización de voces típica del Barroco. Derivada de la canzona del Barroco temprano, la sonata solía dividirse en tres o cuatro movimientos de carácter y tempo contrastantes: típica es la secuencia Largo-Allegro-Adagio-Allegro.

Una orquesta del período barroco

En la próxima entrega de esta serie de la Música Universal, nos ocuparemos de la música que se realiza desde finales del siglo XVIII hasta el siglo XX, la transformación de los estilos y el surgimiento de una nueva concepción de la música como forma expresiva, en consonancia con las profundas transformaciones sociales que se operan, así como los cambios significativos en el paisaje físico en el que se desenvuelven las sociedades.

Julio Rapetti

El presente es extracto de la investigación en proceso “La canción uruguaya”, autor Julio Rapetti

Se sugiere la consulta del anterior capítulo de la presente, “La música universal”, publicado en esta página el 7/5/2026